Velorio de cruz de la pastora 2019

Los Rollos del Mar Muerto

Ochocientos rollos fueron descubiertos en 1947 en 11 cuevas. A un kilómetro aproximadamente de un lugar denominado Chirbet Qumram. Este lugar, se ubica en las proximidades de la ribera noroccidental del Mar Muerto. Desde mediados del siglo pasado esta región es conocida como “El Paraje en Ruinas”.

Este paraje se encuentra a unos kilómetros al sur de la ciudad mítica de Jericó, y es verdaderamente inhóspito. Toda la región esta desértica.

Sus textos estaban escritos en hebreo, arameo y griego y contenían partes del Viejo Testamento, salmos, comentarios y otras escrituras, algunas en clave. Poco antes y después del comienzo de la era cristiana, algunas sectas judías comenzaron a guardar manuscritos hebreos, escritos sobre piel de oveja, en algunas cuevas junto al mar Muerto. Entre sus manuscritos figuraban extensos manuscritos del Antiguo Testamento y otra literatura religiosa.

Fueron descubiertos por un pastor beduino llamado Mohammed ed-Dhib, de la tribu de los Ta´amire, que a comienzos de 1947 encontró los primeros rollos que después se denominarían los Papiros de Qumram. Nos preguntamos si obedecería este descubrimiento ¿a la casualidad o a la causalidad? Ofreciendo un testimonio muy importante para el conocimiento de la historia de los orígenes del cristianismo.

A pesar de que hoy en día algunos grupos religiosos sigan negando la autenticidad de estos documentos. No por ello dejaran de tener el valor que tienen pues la verdad siempre sale a la luz, como en este caso, a pesar de haber estado tantos años inmersos en una completa oscuridad...

Juma comenzaba a ponerse nervioso. Algunas de sus cabras estaban subiendo demasiado alto en los acantilados. Entonces decidió subir él mismo hasta donde ellas estaban para traerlas de regreso. Juma no sabia que, al comenzar su escalada ese día de Enero de 1947, aquellas cabras extraviadas lo involucrarían en lo que sería "el descubrimiento arqueológico más grande del siglo veinte". Estos pensamientos estaban muy lejos de su mente cuando vio dos pequeñas aberturas de una de las miles de cuevas en aquellos áridos acantilados en la costa nordeste del Mar Muerto.

Arrojó una piedra por una de las aberturas, lo cual produjo un sonido inesperado que lo sorprendió; Que más podía haber en esas cuevas que un tesoro. Llamó a sus primos, Khalil y Mohammed quienes subieron a escuchar la excitante historia. Sin embargo, se estaba haciendo tarde y había que arrear a las cabras. Regresarían al siguiente día tal vez sus días de perseguir cabras habían terminado una vez que el tesoro fuera descubierto.

El más joven de los tres, Mohammed, despertó al día siguiente antes que sus compañeros "busca tesoros" y se encaminó a la cueva. El piso de cueva estaba cubierto con escombros, incluyendo cerámica rota. Sobre la pared había una cantidad de jarras delgadas, de las cuales algunas todavía tenían sus cubiertas de forma redonda. Impacientemente, Mohammed comenzó a explorar el interior de cada jarra, pero no encontró ningún tesoro... sólo algunos pergaminos amarrados con trapos y verduzcos por el tiempo. Mas tarde al regresar con sus primos, les dio las malas nuevas no había ningún tesoro. Los pergaminos que esos niños beduinos sacaron de aquella obscura cueva aquel día y los días siguientes serían reconocidos como el mayor tesoro manuscrito jamás encontrado los primeros siete manuscritos de los Pergaminos del Mar Muerto.

Así fue el descubrimiento de un grupo de manuscritos miles de años más antiguos, que el en aquel entonces texto hebreo más viejo de la Biblia. (De los cuales muchos habían sido escritos 100 años antes del nacimiento de Jesús). Estos pergaminos revolucionarían al mundo arqueológico y le darían a un equipo de traductores una tarea gigantesca que aún hoy en día no se termina.

La historia de como esos pergaminos viajaron de las manos de unos jóvenes pastores beduinos hasta los ojos escudriñosos de académicos internacionales, es más extraña que una ficción, aunque todos los detalles de los siguientes años probablemente nunca se conocerán, lo siguiente es lo que se sabe. Después de colgar de un poste de una tienda beduina por cierto periodo de tiempo, los siete pergaminos originales fueron vendidos por separado a dos anticuarios árabes en Belén. De ahí cuatro fueron vendidos (por una pequeña cantidad) al arzobispo Athanasius Jesche Samuel, de la Iglesia Siria Ortodoxa en Jerusalén del monasterio de San Marco.

Estudiosos de la Escuela Americana de Investigación Oriental, quienes los examinaron, fueron los primeros en darse cuenta de su antigüedad. John Trever las fotografió a detalle y el gran arqueólogo William F. Albright pronto anunciaría que los rollos pertenecían al periodo entre 200 años a.C. y 200 años d.C. Entonces se hicieron los primeros anuncios de que los manuscritos más viejos jamás descubiertos habían sido encontrados en el desierto de Judá.

Tres de los manuscritos encontrados por los muchachos beduinos fueron vendidos a E.L. Sukenik, arqueólogo de la Universidad Hebrea y padre de Yigal Yadin (general del ejército israelí quien después se convertiría en un famoso arqueólogo y excavador de Masada y Hazor). La guerra egipcio-israelita de 1947-1949 hizo que los rollos cayeran en el olvido.

Finalmente todos los manuscritos llegaron a la Universidad Hebrea bajo otro conjunto de circunstancias extrañas. Después de haber recorrido los Estados Unidos con sus cuatro pergaminos y no haber encontrado comprador interesado, Metropolitan Samuel publica un anuncio en el Wall Street Journal. Por coincidencia (o providencia divina?) Yigal Yadin se encontraba en Nueva York y leyó el mensaje en el diario. A través de intermediarios pudo comprar estos invaluables manuscritos por una cantidad cercana a los $250,000 USD. En Febrero de 1955 el Primer Ministro de Israel anuncia que el Estado de Israel había comprado los pergaminos y los siete (incluyendo los comprados anteriormente por el profesor Sukenik) se conservarían en un museo especial de la Universidad Hebrea llamado Santuario del Libro, donde se pueden ver el día de hoy.

No es necesario decir, que el anuncio sobre los manuscritos motivó fervorosas búsquedas en el área del descubrimiento original. Una expedición arqueológica oficial se inició en 1949 la cual eventualmente resultó en el descubrimiento de 10 cuevas adicionales que también contenían pergaminos. Entonces los arqueólogos desviaron su atención a una cercana ruina llamada "Khirbet (Ruinas de) Qumran", las cuales se asume son los restos de una vieja fortaleza romana. Después de etapas de excavación intensa, los académicos no tenían duda alguna de que los manuscritos tuvieran su origen en esa comunidad que floreció entre los años 125 a.C. y 68 d.C. Los pergaminos habían sido guardados de forma precipitada en las cuevas mientras que la comunidad huía de la invasión del ejército romano, quien se encontraba en Judea para acabar con la revuelta judía de los años 66 a 70 d.C.

Los siete manuscritos originales, de la que se ha llamado "cueva 1" comprenden lo siguiente: 1) Una copia bien conservada de la profecía de Isaías completa la copia más vieja de un libro del Antiguo Testamento jamás descubierta; 2) otro fragmento de Isaías; 3) Un comentario de los dos primeros capítulos de Habacuc el comentarista explica el libro alegóricamente en términos de la hermandad Qumran; 4) El "Manual de la Disciplina" o "Norma de la Comunidad" la más importante fuente de información acerca de la secta religiosa en Qumran describe los requisitos para aquellos que deseen ingresar a la hermandad; 5) los "Himnos de Acción de Gracias" una colección de "salmos" devocionales de acción de gracias y alabanza a Dios; 6) el libro de Génesis parafraseado en arameo; y 7) la "Norma de Guerra" que trata de la lucha de los "hijos de la luz" y "los hijos de las tinieblas" a ocurrir en los "últimos días".

Las ruinas de Qumran, las cuales pueden ser visitadas el día de hoy, revelan que un grupo sustancial de judíos Vivian en esta comunidad. Bodegas, acueductos, baños rituales y un salón de asambleas fueron todos descubiertos. Uno de los cuartos más interesantes es el escritorium, identificado por dos tinteros y algunas bancas para los escribas.

Tan pronto sé dio el anuncio del descubrimiento de los pergaminos, los debates de su significado y origen comenzaron. Los debates aumentaron cuando el maravilloso contenido de los manuscritos fue exitosamente revelado.

Esos siete pergaminos originales eran sólo el principio. Más de 600 pergaminos y miles de fragmentos han sido encontrados en las 11 cuevas del área de Qumran. Fragmentos de todos los libros Bíblicos han sido encontrados excepto Esther, así como muchos otros textos no bíblicos.

Uno de los hallazgos más fascinantes fue un pergamino de cobre el cual tuvo que se cortado en tiras para poder ser abierto, el cual contenía una lista de 60 tesoros localizados en varias partes de Judea (ninguno de los cuales ha sido encontrado). Otro pergamino, el cual fue recuperado por arqueólogos israelíes en 1967 de un vendedor de antigüedades en Belén, describe con lujo de detalles como es que la comunidad veía un elaborado templo para rituales. Esta ha sido llamada apropiadamente "El Pergamino del Templo".

El contenido de los Pergaminos del Mar Muerto indica que los autores eran un grupo de sacerdotes que mantenían una vida comunal estrictamente dedicada a Dios. Su líder era llamado el "Maestro Justo".

Se opusieron al "Sacerdote Cruel" alto sacerdote judío en Jerusalén quien representaba el establecimiento y quien los había perseguido de alguna manera. Este sacerdote cruel fue probablemente uno de los legisladores macabeos quien ilegítimamente asumió la posición de alto sacerdote entre los años 150 y 140 a.C. La mayoría de los estudiosos han identificado a la hermandad Qumran como los Esenios, una secta judía descrita en los días de Jesús por Josefo y Filo.

El monasterio de Khirbet Qumrán, en el noreste del Mar Muerto; una zona que el erudito romano Plinio (24-69 d. de C.) había descrito como sede de una numerosa colonia de Esenios, una secta judía del siglo I a. de C. que se llamaba a sí misma Nueva Alianza.

La sugerencia de que Juan el Bautista haya pasado algún tiempo con la comunidad Qumran es posible ya que los Evangelios nos dicen que él pasó un tiempo considerable en el desierto cerca del área donde la comunidad Qumran se localizaba. (Mateo 3:1-3, Marcos 1:4, Lucas 1:80; 3:2-3). Ambos enseñaron que el "Reino de Dios" estaba por venir.

Las excavaciones realizadas en las ruinas entre 1953 y 1955 confirmaron los datos de Plinio, pero también condujeron a descubrimientos que asombraron a la ciencia. Tras el primer descubrimiento, una tinaja muy parecida a las encontradas en la cueva, los arqueólogos encontraron monedas de la época de los procuradores romanos, de lo que se podía deducir que el monasterio había sido ocupado por los romanos en el año 68 d. de C. Al acercarse la décima legión romana, que tenía la misión de reducir a los rebeldes judíos (66-67 d. de C.), los Esenios huyeron, no sin haber ocultado antes su biblioteca en las cuevas de los alrededores.

Gracias a estos informes sobre las prescripciones éticas, los usos y costumbres de los esenios, el mundo ha sabido por primera vez que existió un «maestro de la virtud». ¿Fue el «elegido por Dios y el redentor del mundo» un predecesor de Cristo? También él predicó, como el Hijo de Dios -y loo años antes que él-, la humildad, la caridad y el amor al prójimo. Después fue condenado y ajusticiado a causa de la hostilidad de los sacerdotes y de la «casta judía dominante» -como también le ocurrió a Cristo. Por tanto, los cientificos opinan que el esenismo fue un precursor del cristianismo y se dice que de los manuscritos se «sacan numerosos y decisivos paralelos con los sermones de Cristo». Es especialmente importante la similitud de los textos con el Evangelio de Juan. Y en otro lugar se dice que el Mafiual de la vida espiritual es de la máxima importancia para la imagen del judaísmo palestiniano durante el siglo I a. de C. y el siglo I d. de C., así como para el origen del cristianismo.

Una de las contribuciones más importantes de los Pergaminos del Mar Muerto son los numerosos manuscritos Bíblicos que han sido descubiertos. Hasta los descubrimientos de Qumran, los manuscritos de Escrituras Hebreas más antiguos eran copias de los siglos 9 y 10 d.C., de un grupo de escribas judío llamado los Masoretes. Así mismo 24 manuscritos bíblicos de la Cueva IV correspondientes a los libros de Deuteronomio, Josué, Jueces y Reyes. Estos textos son aproximadamente mil años más antiguos que los manuscritos hebreos conocidos hasta el presente.

En el documento llamado el "Manual de la Disciplina" o "Ley de la Comunidad", se establece que el creyente debe continuar viviendo bajo la ley "hasta la llegada del profeta y los ungidos de Aaron e Israel" En otro documento encontrado en la cueva cuatro y conocido como el "Testimonio", se mencionan un número de pasajes del Viejo Testamento que forman las bases de las expectaciones mesiánicas. La primera es una cita de Deuteronomio 18:18-19 donde Dios le dice a Moisés: "profeta levantaré de en medio de sus hermanos, como tú". Después viene una cita de Números 24:15-17, donde Balaam prevee el levantamiento de un príncipe conquistador. "Y se levantará cetro de Israel, y herirá las sienes de Moab". El tercer pasaje es la bendición pronunciada por Moisés sobre la tribu de Leví en Deuteronomio 33:8-11. Por la forma como estos pasajes están agrupados nos dice que el escritor esperaba el advenimiento de un gran profeta, un gran príncipe o un gran sacerdote.

Tras 50 años de recomponer los rollos del Mar Muerto los eruditos han tenido que dar paso a los científicos para extraer más información de estas reliquias arqueológicas.

Los expertos fueron convocados a una conferencia en la Universidad Hebrea de Jerusalén patrocinada por el Centro Orión para el Estudio de los Rollos del Mar Muerto.

En la conferencia, se intentó resolver algunos de los misterios que perduran sobre los rollos, que tienen unos 2.000 años de antigüedad...

Según la opinión de los científicos e investigadores de los Rollos del Mar Muerto, los orígenes del cristianismo ya no se deben buscar, después del descubrimiento de los textos del Mar Muerto, entre los fariseos y los talmudistas, sino entre los esenios.

Los Esenios vivían en cuevas, en cabañas o en celdas, como los antiguos hebreos. Sólo se reunían en el monasterio para realizar sus actos sagrados comunes, para orar y para las comidas. Practicaban la humildad, según las prescripciones de su secta. Así pues, las tumbas de su cementerio también eran humildes: de gran sencillez, sin adornos, inscripciones, ni ofrendas...

EL VALS Y SU HISTORIA

El vals es un género musical que con el transcurrir del tiempo ha sufrido mochos cambios, pero ha perdurado hasta nuestros días. Su origen se remonta a los siglos XII y XIII, proviene de las danzas austro-germanas y de la Carmagnole Francesa, fue el bailable popular del siglo XIX, el nombre del baile proviene del vocablo alemán Walzen, el cual se deriva del latín volvere; que significa movimiento rotativo, en otras palabras, éste término viene dado por los giros que realizan las parejas durante el baile, en otras palabras quiere decir dar vueltas bailando. Por otra parte, estas obras en su mayoría fueron creadas en la ciudad de Viena localidad que albergaba en su seno a compositores de la talla de:   Johannes Brahms, Johann Strauss padre e hijo, Frederick Chopin, Piotr Illich Tchaikovsky y otros exponentes del género, este último incorporó el vals en algunos ballets como "El Lago de los Cisnes", "La Bella Durmiente" y "El Cascanueces"(G. Romero-salinas2006).

Otros historiadores sostienen que el Walzen o vals, que significa girar, proviene de las danzas montañeras rusticas del sur de Alemania y de Austria y que este género dancístico deriva del landler, en sus inicios estos bailes campesinos no eran muy bien visto por la alta sociedad pero por el estallido de la revolución ideológica a finales del siglo XIII, el género conquistó escenarios en los más prestigiosos salones de la burguesía y la nobleza de toda Europa para convertirse en el baile más popular y trascendente de la historia. Http://www.terra.es/personal2/danubio/vals1.htm

Aquí vemos como se va desarrollando este estilo musical y su evolución y trascendencia se debe a que en esa época del romanticismo estaba enmarcado por un idealismo que se fundamentaba en resaltar los aspectos relevantes del folclore europeo, característica que especialmente la desplegaron los compositores alemanes quienes fueron los pioneros del género musical en estudio, pero por otra parte, el nacionalismo tiene su raíz en Francia a partir de la revolución francesa en donde nace un movimiento de connotación política y trasciende y se difunde a través de la música de la era, de allí nacen lo que conocemos como cantos patrióticos, en medio de esta coyuntura se puede apreciar cómo es que se va desencadenando históricamente el desarrollo del vals y cómo se difunde por toda Europa hasta llegar a nuestro continente.

     En América se inició una forma lenta del vals (1870) a la que se dio el nombre de vals "Boston", y es estilo de vals permite a los bailadores introducir nuevas figuras al realizar el baile, a diferencia de los rápidos, en los que no era posible ejecutar los nuevos elementos en la danza por la velocidad de los temas. En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño, el vals ecuatoriano y sobretodo el vals peruano con características  diferentes de país en país.

 “El vals en su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de tres tiempos, es decir, de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d)” (J. R. González 2008). Así como sostiene que a través de este género se introdujo en el país el uso del piano, y que llegó al país después de la guerra de la independencia y al pasar el tiempo adquirió un carácter nacional, en el cual se fueron agregando instrumentos propios del país tales como el cuatro, bandola, arpa en algunos casos y maracas. Cabe destacar, que en cuanto a la estructura armónica y melódica nuestro estilo de vals tiene características puntuales en la que se resaltan que suele haber una suave introducción, luego partes que son más melódicas y que contrastan con otras más rítmicas. Este género es característico de la región de Los Andes y de la zona Centro Occidental del país, sin embargo se puede encontrar en otras partes de la geografía venezolana con sus particulares diferencias. El valse es interpretado con los siguientes instrumentos: guitarra, tiple, arpa, cuatro, piano y el clarinete, este último incorporado posteriormente, en tal sentido, en la región Andina los instrumentos que se utilizan son: el violín y la mandolina son los instrumentos solistas, acompañados de guitara, tiple y cuatro.

Así como Europa tiene sus máximos exponente en cuanto a la composición dentro del género también nosotros tenemos a: Ramón Delgado Palacios (Caracas, 1867 -1902),"La Dulzura de Tu Rostro; Pedro Elías Gutiérrez (La Guaira 1870 - Macuto 1954), "Geranio;" Francisco de Paula Aguirre, "Dama Antañona" Aldemaro Romero (Valencia 1928) "Quinta Anauco"; Lencho Amaro, "Atardecer" entre otros.

Cabe destacar, el vals se arraiga como pieza independiente, unas veces instrumental, otras cantada –el valse-canción—, y se identificaría con otras piezas una temáticas para integrar el golpe y continuar su larga vida de carácter folklórico dando origen a otros géneros musicales del país sin menos cavar  lo que en Venezuela tenemos, ese  encuentro de tres culturas y las cuales da origen a una forma cultural genuina y el cual da vida a todas las manifestaciones folclóricas del pueblo venezolano.

Historia de la mandolina

La mandolina actual, es un instrumento de cuatro órdenes  y cuerdas de metal dobles dispuestas entre sí, es pulsada con un plectro (púa o pajuela), su afinación es como la del violín Sol, Re, La, Mi, con una caja de resonancia que puede ser cóncava o plana según como la desee construir el lutier y cuenta con un diapasón de 18 a 20 trastes.

Según R. Sandoval, las mandolinas aparecen en el siglo XVII en Italia, a pesar de que en Milán, Génova, Sicilia entre las ciudades importantes donde se construían dicho instrumento fue la napolitana la que tuvo más aceptación en el mundo entero. Sin embargo, existen indicios que orientan la búsqueda de sus antecesores, en instrumentos pequeños con caja de resonancia en forma de pera y cóncava, que se empleaban en la Europa del siglo X, en donde cabe destacar, que casi todos los instrumentos musicales del medio evo europeo vinieron de Asia y África, en donde la heredad que Grecia y Roma dejó sólo está representada por la Lira, que a su vez, es el único instrumento de origen europeo, en tal sentido los instrumentos medievales son familias del laúd procedente de la zona sud occidental de Asia o de la zona norte del África, los que en su evolución darían origen a los instrumentos que a su vez se tornarían en la actual Mandolina. Estos instrumentos podrían ser básicamente La Gittern (en Ingles) o Chitarino (en Italiano) y la Mandore (Francia).

En esa misma dirección podremos apreciar que la mandolina tiene dos épocas de oro que va desde la segunda mitad del siglo XVIII a finales del XIX y de allí a principios del siglo XX según como lo plantea R. Sandoval que los músicos napolitanos se trasladan a los centros culturales más importantes de Europa en especial a Paris, donde se radican y publican métodos y piezas musicales para mandolina y por su parte se dedican a la enseñanza de la ejecución del instrumento a los nobles y burgueses de la época, y en la segunda era de oro del instrumento es cuando alcanza su máximo esplendor al ser difundido por toda Europa, América, África y el norte de Asia. En este mismo orden de ideas el término bandolín o bandolina se deriva de la similitud con el laúd en cuanto a la caja de resonancia, con forma curva, compartiendo el resto de las características con la mandolina plana, cuyo casco queda sustituido por los aros y por la tabla inferior o fondo como la guitarra, por otra parte la mandolina italiana convexa es m{as usada, pero en Francia, España y Portugal se usa la plana por resultar m{as cómoda y menos molesta su posición.

Ahora bien, haciendo referencias al laúd, que es el antecesor de la mandolina, A. Gracias en su trabajo de investigación publicado en (educacionmusicalvenezuela.blogspot.com) sostiene que el número de cuerdas del laúd simboliza los cuatro elementos (aire, agua, tierra y fuego), las cuatro estacione (otoño, invierno, primavera y verano) los cuatro puntos cardinales (norte, sur, este y oeste), se tocaba con plectro cañón de pluma, las cuerdas eran colocadas sencillas (ordenes simple) o en pares (ordenes dobles).

Es importante conocer que existen varios tipos de mandolinas que se destacan una de otra por la cantidad de cuerdas y por su apariencia. La mandolina de Nápoles  tiene la forma de laúd, la mandolina de Milán de forma larga tenía 6 cuerdas de intestinos con el régimen de la guitarra levantada a una octava. La mandolina de la isla de Sicilia tiene cuatro cuerdas triples y la tabla de armonía baja plana. Son conocidas también las mandolinas de cinco cuerdas de Florencia y de Génova. La mandolina era muy popular en Rusia, adornaba muchas orquestas llamadas napolitanas. La industria musical nacional producía las mandolinas baratas de las tiradas grandísimas. Hasta hoy un día se puede encontrar mandolinas baratas que fueron hechas en la fábrica de los instrumentos musicales de Lunacharsky. De igual forma se puede aseverar que la mandolina era visto como un instrumento popular hasta finales del siglo XVII que se incluye en óperas y en la sinfónica, fungiendo como solista. Cabe destacar que Vivaldi le dedicó dos de sus conciertos, para Mandolina y orquesta; de Italia pasó a Francia  hacia 1760 y después a Alemania, Mozart la utiliza en la serenata de su don Juan, en 1787.

Por otra parte, las mandolinas se pueden diferenciar también por su estructura en la caja de resonancia unas son cóncavas y otras planas. Cabe destacar que en Venezuela es más conocida la plana, en tal sentido A. Gracias en su estudio menciona que Magdaleno (2005) sostiene que en el siglo XIX con la llegada de la mandolina al territorio venezolano a partir de la primera década de siglo XX comienzan a aparecer las primeras estudiantinas en San Cristóbal y Mérida. De igual forma, es posible que se pueda encontrar mandolinas de manufactura italianas, así como también, mandolinas de 12 cuerdas llamadas bandolas, se afinan igual y cumplen la misma función que la mandolina, de por sí, se pueden apreciar en piezas musicales del folklore andino como los valses y el bambuco, merengue campesino, así como pasillos de influencias colombianas y ecuatorianas y el genero canción. En las zonas nor-orientales este instrumento es imprescindible para ejecutar los géneros musicales tales como el polo, la malagueña, el galerón, jota, fulía oriental, Aguinaldos y merengues orientales, mientras que en Lara y Yaracuy es utilizada en valses, danzas, contradanzas, polcas, fandanguillos, merengues, entre otros. Es importante,   no confundirla con el bandolín usado en el Edo. Táchira y parte de Colombia, el cual presenta cinco órdenes de cuerdas triples y dobles. El  hecho de dividir este instrumento en tres partes fundamentales: Cabeza (clavijas), Diapasón (ceja, espacios, ceja, mástil) y la Caja de resonancia (cuerdas, tapa armónica, boca, base protectora, resonancia, sujetadores de las cuerdas), se le debe a Isabel Aretz (1967), en su trabajo Instrumentos musicales de Venezuela.

La familia de las mandolinas puede ser dividida en dos grandes grupos atendiendo a la forma de la caja. Por un lado la clásica o italiana (con fondo abombado en forma de pera) y por otro, la de caja laminada a modo de guitarra (con fondo plano). Esta última es la que podemos ver en el folklore andino, habitualmente con caja un poco sobredimensionada (algo más ancha de lo habitual. Con forma más cercana a la bandurria). Su cordaje atiende a 4 órdenes con 8 cuerdas que conjugadas por parejas se afinan en intervalos de quinta como el violín. Habitualmente son cuerdas metálicas, aunque dependiendo de la región y gustos del músico, también se utilizan de nylon o incluso combinadas.  También es usual encontrar afinaciones en las que la tercera y cuarta cuerda se octavan.

Al igual que sucediera con el charango, existen muchas variantes y dependiendo de su ubicación geográfica, recibe distintos nombres. Mandolina, bandolín y bandolina, son un mismo instrumento que a su vez da vida a otros como la bandola andina (de 12 o 16 cuerdas y con 6 órdenes dobles y triples), empleada en el folklore  de Venezuela y Colombia aunque ya estaríamos hablando de un instrumento diferente.

Los métodos de construcción, no difieren de los de la guitarra clásica, aunque existen ciertas particularidades como el sistema de contrapuente (requerido por la tensión de las cuerdas), el tipo de clavijero (para soporte de cordaje metálico), las dimensiones y cotas (sensiblemente menores a las de la guitarra) entre otros.

Por tanto, primeramente y tras definir los planos y sus cotas, habrá de fabricarse un molde que nos sirva de horma y soporte al trabajo y sobre el cual se encolará la caja con todos sus componentes al igual que sucede con otros instrumentos de cuerda y caja laminada.

Aunque no nada hay definitivo y absoluto en cuanto a medidas, la familia de mandolinas suele catalogarse atendiendo al tamaño del instrumento en tres grupos:

-Mandolina soprano (más aguda) con regla en torno a los 35 centímetros.

-Mandolina tipo o tenor (tesitura intermedia) con regla que ronda los 42 centímetros.

-Y por último una tercera mandolina octavada de la soprano y con regla de unos 53 centímetros.(Desde nuestra Web de guitarra es posible descargar la aplicación que nos facilita las distancias entre trastes para cualquier regla). Por otra parte, R. Rodríguez hace referencia que existe un tipo de mandolina del tamaño aproximado de una persona se le da el nombre de bandolina-bajo.              

De igual forma, existe La bandurria que es un cordófono punteado con presencia en prácticamente toda la península, excepto en Portugal, donde se sustituye por la mandolina o bandolín. Consta de doce cuerdas (seis dobles) metálicas afinadas por cuartas y se hace sonar con una púa o plectro. Tradicionalmente forma parte de rondallas o grupos de cuerda, junto con la guitarra y el laúd, de similares características, pero con un sonido más grave. También fue común en músicos callejeros vendedores de romances. En la fotografía, un ejemplar restaurado granadino de 1882.

Son cordófonos punteados,   el bandolín es una mandolina presente en Portugal, pues en España se utiliza la bandurria como instrumento de plectro, aunque también se utilizó ocasionalmente la mandolina en los grupos de pulso y púa. Como cualquier mandolina, consta de cuatro parejas de cuerdas afinadas por quintas, como el violín.

Algo que diferencia al bandolín de las clásicas mandolinas es su profunda caja de resonancia plana, que en las demás mandolinas es más estrecha o en forma de media calabaza; así como el clavijero, en forma de abanico y con una voluta de madera. Se pueden ver en los grupos de la mitad norte de Portugal y en las agrupaciones universitarias. En la fotografía de la derecha, vemos un Bandolín de Lisboa. A la izquierda podemos ver una mandolina española de rondalla.

Ricardo Mendoza  hijo de Emilio R. Vásquez y María C. Mendoza, nace el 3 de abril de 1943 y se inicia en la música gracias a su padre, músico autodidacta y seguidor de grandes maestros como Félix Palma, José Félix Suárez, Trinidad Romero, Víctor Durán, Antonio Carrillo y Clemente Rojas. En su primera producción discográfica se dio a conocer con composiciones que en la actualidad son himnos entre los músicos venezolanos, tales como: "Reina de la Montaña", "Panorama Larense", "Terepaima", "La Sombra de un Amor", "Emilio Ramón", "Rosalinda", "Luzardo", "Cascabeles", "El Grillo" y "Lagunillas", una de las más tocadas y reconocidas a nivel nacional.

Por su valioso trabajo en la difusión de la música popular de Venezuela y la participación en distintas actividades culturales en todo el país, ha sido nombrado Patrimonio Cultural Viviente y ha recibido reconocimientos valiosos en diferentes regiones del país como la Orden Antonio Carrillo, el Botón Carrillo, El Ídolo de Plata, Premio Mara de Oro y Premio Gran Terepaima. Ha participado en actividades especiales como el festival Mandolinas Bolivarianas en Cumaná y el II Encuentro de Bandolinistas celebrado en Caracas en 2010.

Un maestro de las composiciones para mandolina que en la actualidad pasa del millar, Ricardo Mendoza se define como una institución musical y como "la mandolina que susurra nombres de mujeres".

Renny Morales  nace un 18 de Junio de 1960 en el Barrio Saladillo de la ciudad de Maracaibo, Venezuela.

Desde niño se inclinó por la música, y dio sus primeros pasos en ella empezando a ejecutar el cuatro, a los 14 años despierta su interés por la mandolina y la mandola, las que comienza a cultivar alternando con sus estudios de Bachillerato en el Liceo Octavio Hernández de Maracaibo, en donde ingresa a formar parte de la Estudiantina de ese plantel como mandolinista. Una vez egresado como Bachiller en Humanidades, continúa cultivando la mandolina a la vez que se dedica a impartir clases de este instrumento en varios planteles de educación básica, fundaciones y academias de música, fungiendo también como director de la Estudiantina de la Universidad Cecilio Acosta de Maracaibo.

En 1995 egresa de la Escuela Superior de Música José Luís Paz como Educador Musical. Desde entonces ha fundado un total de 4 Ensambles, 4 Estudiantinas y 1 Orquesta de Cámara; ha realizado más de 300 arreglos. Licenciado en Educación, mención Desarrollo Cultural, título otorgado por la Universidad Nacional Experimental “Simón Rodríguez”, convenio marco con el Ministerio del Poder Popular para la Cultura.

 Por otro lodo se tiene que  las estudiantinas tienen su origen en el siglo XVI. Es un ensamble musical de la familia de las tunas y rondallas. Su característica principal es que están formadas por instrumentos de plectro. Existe la tendencia a pensar que estos tres tipos de agrupaciones son sinónimos pero son muy diferentes. Las rondallas y tunas tienen bandurrias y guitarras simultáneamente, mientras sus integrantes ejecutan estos instrumentos, también cantan y bailan alrededor del escenario. Además, los músicos usualmente se visten con trajes que simulan la moda de la época en que surgieron y con muchas cintas de colores sobre la capa que utilizan. Sus presentaciones tienen un carácter festivo. Las “estudiantinas” son más formales, los músicos se sientan y se ubican de acuerdo al instrumento que ejecutan. Están constituidas por: Primeras y Segundas Mandolinas, las cuales tienen la misma afinación de un violín y juegan el mismo rol que éste dentro de una orquesta; Mandolas que tienen la misma afinación pero una octava más grave, este instrumento juega un papel similar al del cello en una orquesta; Guitarras y Bajo. En Venezuela, ellas incluyen el “Cuatro” que es un instrumento de cuerdas típico del país y que se utiliza como un recurso rítmico y armónico al igual que la guitarra. En U.S.A., los primeros ensambles de este tipo fueron llamados “Mandolín Clubs” y eran muy similares a las “estudiantinas” aunque incluían instrumentos de viento y banjo.

  Al principio el término estaba relacionado con actividades estudiantiles, hoy en día no es una condición para su existencia. Por lo menos, no en Venezuela donde se han difundido por todo el país. Muchas instituciones de diferentes tipos han incluido la creación de “estudiantinas” en sus proyectos como una contribución al arte, tomando siempre como punto de referencia a la Estudiantina Universitaria de la Universidad Central de Venezuela por ser la más antigua y el punto de partida en la propagación de este género.

El Cerebro Triuno de Paul McLean

Como introducción les diré que tomando en cuenta la evolución de las especies, Paul Mclean observa que tal como un árbol con el tiempo añade capa sobre capa de corteza, el cerebro ha ido añadiendo capas a lo largo de la evolución que va (generalizando) desde los reptiles hasta el ser humano.

Ubica además físicamente las áreas del cerebro típicas de un reptil dentro de la zona mas baja del cerebro humano, contando esta con zonas de desarrollo características de un reptil. Luego ubica la de los mamíferos y al final la de los seres humanos.

Acá les dejo un extracto que explica un poco la teoría de McLean.

Paul McLean, creador del modelo del cerebro triuno, descubre tres estructuras o sistemas cerebrales: reptil o básico, límbico y neocortex; cada uno es distinto en su estructura física y química, procesan la información que reciben según su propia modalidad.

Sistema Reptil: se caracteriza por ser asiento de la inteligencia básica, es la

llamada inteligencia de las rutinas, rituales, parámetros. Sus conductas, en la mayoría, son inconscientes y automáticas. Recibe mensaje del límbico y del neocortex. Se hace cargo de su conducta cuando se ve amenazado por la sanción, generando un comportamiento reactivo. Las personas actúan desde esta estructura en atención a sus necesidades vitales.

Sistema Límbico: Constituye el asiento de la emociones, de la inteligencia

afectiva y motivacional. Trabaja en sintonía con el reptil. Toda información sensorial es filtrada por este sistema antes de pasar al neocortex. Promueve la productividad, la satisfacción en el trabajo y en el aprendizaje.

Neocortex: Es el cerebro humano más evolucionado. Sperry, Gazzaniga y

Bogen, consideraron su división en dos hemisferios (izquierdo y derecho) con funciones específicas. Su contribución es significativa para la praxis educativa.

Hemisferio izquierdo: Asiento de la inteligencia racional, es secuencial, líneal, paso a paso. Posibilidad de razonar y relacionar los pensamientos en forma secuencial y lógica.

Hemisferio derecho: Inteligencia asociativa, creativa e intuitiva. Holístico, libre de expresar los sentimientos, se relaciona con el mundo de las sensaciones y emociones más que con los códigos verbalmente lógicos.

En el espacio familiar y educacional refuerzan el uso de las tendencias cerebrales, de los hemisferios izquierdo o derecho. Así observamos personas inflexibles o flexibles, rígidas o permisivas, impositivas o participativas. Lo ideal es armonizar ambas estructuras cerebrales como un organizador de ideas que emergen de uno u otro hemisferio y desarrollar los otros sistemas (límbico y reptil).

Margarita Rojas

2002

Revista Venezolana de Análisis de Coyuntura

Universidad Central de Venezuela.

El cerebro triuno nos plantea la manera en la que nuestro cerebro no es un ente total, si no, que se ve divido en tres complejas partes responsables de aspectos muy diferentes.

- Buscamos ayuda, y puntos de vista para nuestro trabajo de investigación, acerca de este tema. Plantéenos experiencias ya sean laborales (educadores y profesionales), o bien personales (estudiantes de cualquier nivel)...acerca de las técnicas utilizadas a la hora de enseñar (recursos didácticos) y de la manera para estudiar (estudiantes). Quisiéramos evaluar y graficar la media de personas que utilizan mapas mentales, resaltadores de colores llamativos, nemotécnicas de aprendizaje, o cualquier otro recurso que facilite el aprendizaje.

- De antemano, damos gracias a aquellos que se quieran unir a nuestra investigación, o simplemente a investigación.ayudarnos en nuestra 

la bajada de los reyes y la viejita de guarenas

LA PASTORA Y SU TRADICIÓN LA BAJADA DE LOS REYES

                                                      Y

                                 LA VIEJITA DE GUARENAS

Tutor: Otto Magdaleno

Autores: Contreras Richard

                   Pérez Erisneo

   

                               La Urbina Febrero del 2010

La Pastora, sultana del Ávila, una de las primeras parroquias fundadas en Caracas, está ubicada en el valle alto de la cordillera del Litoral Central a 922 mts del nivel del mar. Su origen nace por la devoción de “La Divina Pastora de las almas”, comenzó con los padres capuchinos en la época de la colonia. 

“La Bajada de los Reyes” es una manifestación folclórica de carácter mágico religioso 

El inicio de esa tradición comienza inclusive con las misas de aguinaldos, desde el 15 de diciembre hasta el día 6 de enero en la población de Puerta de Caracas hacia los lados del camino de los españoles bajaban las comparsas hasta el sector del castillo de Puerta de Caracas.

Es allí cuando los Moras toman la determinación de llevar esa tradición hasta el casco central de la pastora a mediados de (1980) e incluirla después de la misa del deportista en la iglesia de La Divina Pastora cada 6 de enero. Ha ido decayendo esta tradición debido por la penetración en nuestra cultura de otras manifestaciones foráneas y la familia y su entorno social no la cultiva, trayendo como consecuencia la pérdida de esa identidad. 

En la actualidad la Pastora ha ido perdiendo a través de los años su idiosincrasia por lo anteriormente descrito, se tienen referencias que muchos de los pobladores autóctonos se han mudado, y ha ido poblándose de extranjeros los cuales no conocen ni se integran a las festividades de la parroquia simplemente por tener sus propias culturas.

Y para concluir, existe un carácter que ha venido afectando el buen desarrollo de estas y otras manifestaciones culturales en la parroquia, tratando de darle un tinte político trayendo así un malestar a las comunidades y el desapego a la realización de éstas actividades. 

El llamado es a la reflexionar y en tratar en lo posible de mantener nuestras tradiciones y tomar de aquellas foráneas los recursos necesarios para así enriquecernos como sociedad de avance hacia el futuro de nuestra identidad.

LA VIEJITA DE GUARENAS

Guarenas, ciudad del estado Miranda, capital del municipio Plaza. Se conformó como pueblo de indios en 1621 con la denominación de Nuestra Señora de Copacabana de los Guarenas. 

Los indios Guarenas los nombraban así porque vivían en tierras con mucha hierba,  la  llamaban Gurena. Afirma que Guarenas es nombre Cumanagoto y se deriva de Huerena, que equivale a herbazal o prado. 

Fechas históricas

•14 de febrero de 1621 Fundación de Guarenas.

•21 de noviembre Día de La Virgen de Copacabana (Patrona de Guarenas).

•24 de junio día de san Juan.

•29 de junio Día del San Pedro de Guarenas.

Guarenas posee una manifestación autóctona llamada “la viejita de Guarenas” creada por Miguel Parra. Nació en 1905 y murió en los Teques el 29-08-1981 vivió durante mucho tiempo entre la pastora y la guaira. En 1935 llegó a Guarenas. Miguel parra fue un músico empírico tocaba un instrumento cordófono “el cuatro venezolano”. La creación de la viejita fue producto de un sueño reiterado, el soñaba con una anciana bailando hasta que hizo su confección. El heredero legitimo de este personaje es el cultor Rodolfo Toro Ascanio. Su primera presentación es el día 29-09-85, en homenaje a MIGUEL PARRA.

 El baile típico de esta tradición es música cañonera, el tipo de danza es de movimientos libres y se desplaza de acuerdo a la música además  se acompaña con una maraca. La música cañonera es tradición de esta manifestación. La tradición se presenta en las escuelas y actos públicos.

Método de Edgar Willems

Edgar Willems nació en Bélgica, pero desarrolló su labor pedagógica y musical en Suiza. Realizó investigaciones y experiencias en el terreno de la sensorialidad auditiva infantil y en las relaciones música-psiquísmo humano.

            Pero fue durante la Guerra Mundial de 1914-1918 cuando Willems empezó a realizar la visión y concepción que inspirarían  su vida de investigador, de pedagogo y de iniciador, en  una obra y una actividad profundamente humana, adaptadas en particular a la época que vivimos.

La concepción “Willesiana” no parte de la materia, ni de los instrumentos, sino de los principios de vida que unen la música y el ser humano, dando gran importancia a lo que la naturaleza nos ha dado a todos: el movimiento y la voz.En un primer momento, Edgar Willems pone una premisa muy clara e importante: “Para que la educación musical pueda ser eficaz es necesario cuidar las bases desde el comienzo, las raíces; sonido, ritmo, melodía, armonía, etc...” Willems apunta que para empezar a trabajar todos estos aspectos hay que tener en cuenta que el niño viene ya dotado de facultades musicales innatas, como pueden ser la escala diatónica, el ritmo     ( ritmo biológico) o la escala mayor. Pese a todo esto, al niño hay que enseñarle los nombres de las notas y la lectura de estas.

¿QUÉ ES LA EDUCACIÓN MUSICAL?

            Para Edgar Willems la música está relacionada con la  Naturaleza humana, ya que despierta y desarrolla las facultades del hombre.

                        

Hombre                              Música                                                                                                          Instinto                                    Ritmo

Afectividad                              Melodía

Intelecto                                  Armonía

            SU DESEO ES:

·      Contribuir a la apertura general y artística de la persona, en su unidad y unicidad.

·      Desarrollar la memoria, la imaginación y la conciencia musicales.

·      Preparar el canto coral, al solfeo, a la práctica instrumental y a la armonía.

·      Favorecer la “música en familia” así como los diferentes aspectos sociales de la vida musical.

            ¿CÓMO?

            La formación la enfoca en el sentido de una triple búsqueda:

1.    Búsqueda de unidad entre  los principios pedagógicos puestos en evidencia por E. Willems y los que presiden los diversos aspectos de la formación: partir de la vida y de sus lazos con la música, privilegiar la expresión del ser en sus motivaciones profundas, cultivar el buen contacto relacional asociado a la exigencia justa.

2.    Búsqueda de Libertad: la de los participantes ante lo que  se les propone, ante las formas a recrear por sí mismos, con su interioridad propia y en su contexto preciso; también la de los formadores, para preservar la evolución de los cursos hacia una constante perfeccionamiento, a fin de alcanzar cada vez mejor los objetivos en función de las necesidades de los participantes.

Búsqueda de energía en uno mismo a través de la música: necesaria para la adquisición de una competencia musical equilibrada en todos los campos y para un dominio pedagógico de la progresión.

CONDICIONES PARA APLICAR EL MÉTODO WILLEMS

El método requiere dos condiciones básicas:

A) Conocer profundamente los principios psicológicos de la educación musical. Principios basados en las relaciones existentes entre los elementos fundamentales de la música y aquellos pertenecientes a la naturaleza humana. (Ver resumen).

B)Disponer de un material musical adecuado para emprender la educación sensorial del niño.

LAS ETAPAS EVOLUTIVAS DEL MÉTODO

Según un proceso continuo de vida, el método Willems se puede separar en cuatro etapas evolutivas, siguiendo el desarrollo del niño:

            1ª Etapa: Antes de los tres años.      

                        Será importante el papel de  la familia y especialmente, el de la madre, que representa la base más importante para el desarrollo musical del niño. Así, serán aprovechadas lo más pronto posible las rondas, las canciones de cuna y los cantos breves.

            2ª Etapa: Desde los tres hasta los cinco, o desde los cuatro hasta los seis años.

                        Se trabajará en clases individuales o en grupos pequeños de cuatro o cinco personas.

                        En esta etapa, Willems presta especial importancia a los cantos. También se trabajará la educación rítmica basada en el instinto del movimiento corporal natural. El oído se trabajará con la ayuda de diversos instrumentos sonoros y la entonación de las canciones.

En cuanto a este aspecto, hay que señalar que  no se pretende que entonen estrictamente bien, basta con proponer al niño que cante bien, adquiriendo una buena postura y con una voz bonita.

            3ª Etapa: Desde los cinco hasta siete o desde los seis hasta los ocho años.

                        Esta etapa ya debe trabajarse en las escuelas de música o en las clases particulares.

                        Ahora Willems propone amplificar todo lo dado anteriormente, al mismo tiempo que comprender el aspecto teórico y abstracto del ritmo y la audición.

                        Se empezarán a marcar los compases y se escribirán algunos valores de figuras.

            4ª Etapa: La introducción al solfeo.

                        El solfeo propiamente dicho, vendrá después de un adiestramiento cerebral activo, basado en el instinto rítmico y el oído.

EL SONIDO

Willems declara que el tacto y la vista deben estar al servicio de los sonidos percibidos por el oído. En este aspecto, hay un debate que se mueve entre dos corrientes: ¿El instrumento al servicio de la música o la música al servicio del instrumento? Claramente el método Willems propugna la vigencia de la música por encima de cualquier otro constituyente.

Así mismo, nos dice que hay que despertar en el niño el amor por el sonido, por escuchar los sonidos. Los alumnos deben aprender a prestar atención a todos los ruidos que emite la naturaleza. Debemos poner al niño en contacto con los objetos sonoros y ver sus reacciones.

Por otro lado, cuando el alumno llega a la clase de música es importante hacerle saber a qué viene, es necesario que viene a hacer música, y no a una clase que sólo sirve como divertimento, ya que la práctica musical influye en los sentimientos, en el espíritu y en el corazón de la persona.

Audición

Willems incluye, en su método los siguientes aspectos:

a.       El movimiento sonoro: ascensos y descensos del sonido

b.      Aislar sonidos (identificar): relación en cuanto a duración, intensidad, altura y timbre.

c.       Reproducir intervalos melódicos

d.      Recrear timbres (igualar por pares, realizando parejas con timbres similares)

e.       Invención melódica, colectiva e individual.

MATERIAL AUDITIVO

El material auditivo que nos propone Willems costa de objetos que se utilizan en la vida cotidiana, objetos que nosotros mismos podemos fabricar: campanillas, silbatos, trompetas, molinillos, trompos musicales, xilófonos y metalófonos.

La única premisa para utilizar el material es el buen conocimiento, por parte del profesor, del uso del material.

Mediante este material se establecerán las bases rítmicas y auditivas del arte de la música.

Una buena actividad auditiva y de interpretación es la imitación de los sonidos de animales, especialmente para aquellos niños a los que les cuesta cantar.

EL RITMO

El choque sonoro y la escucha rítmica.

El ritmo se actualiza normalmente por el movimiento ordenado. El ritmo musical requiere, además, sonidos provocados por el contacto sonoro con un obstáculo. Por esto, el primer elemento del ritmo musical es el choque sonoro, que debería ser inventado por los propios niños para interiorizarlos mejor.

En la educación del niño, la escucha rítmica es particularmente favorable para obtener una buena actitud receptiva auditiva.

El ritmo sonoro libre.

Partiendo del choque sonoro libre, practicaremos el ritmo sonoro libre,  utilizando ante todo las manos, de distintas manera.

            Con onomatopeyas: trabajando según estos principios: Repetición, alternancia, contraste de intensidad, velocidad, eco, pregunta y respuesta. Ejemplos:

                        Con la mano:              PAM - PAM

                        Con los pies:               BUM- BUM

                        Con los nudillos:        TOC – TOC

                        ....

(La emisión de las onomatopeyas se realizarán conjuntamente con los choques).

            Motivos de la vida:

                        Los cohetes y petardos (estallidos): FFFFF

                        Tormenta: un rayo                            PCHITTTTT

                       

            Con todos estos elementos, se desarrollarán convirtiéndose en frases onomatopéyicas-rítmicas. El niño por si mismo caerá en la cuenta de una fórmula lógica (a menudo prisionera de un ritmo ternario):

Ejem: Tip-Tip-Tip ; Bum-Bum-Bum ; ...

            La dinámica de los choques podrá cambiar a la orden de “hop”.

La alternancia de manos: juega un papel importante en la rapidez de la ejecución de los choques, puesto que resulta difícil realizar ciertos patrones rítmicos con una sola mano.

Es importante destacar la riqueza de las onomatopeyas en las cantinelas y estribillos de canciones, por ejemplo:

Matarile-rile-rile ; Pito-pito-gorgorito ; ...

Después de trabajar los choques (con el propio cuerpo), se poseerá una mejor predisposición a la hora de enfrentarse con los instrumentos de percusión.

Representación gráfica de las cualidades del sonido: los grafismos deben ser realizados por los propios niños, una vez que hayan descubierto, con un ejemplo del profesor, la cualidad del sonido a representar (corto-largo, acelerando-rallentando, lento-rápido, ...).   

Hay que despertar el interés por el movimiento acompasado y por el moverse con canciones o ritmos, siempre partiendo de su ritmo biológico.

En cuanto al ritmo, Willems destaca el instinto rítmico, el cual suscita movimientos que deben ser sentidos y realizados corporalmente por el niño, este trabajo ayudará a una mejor adquisición de su esquema corporal.

Willems nos da tres aspectos teóricos en cuanto al ritmo, aspectos que deben ser tratados simultáneamente al caminar:

Tempo: Da el sentido rítmico general de la canción. El niño adquiere la conciencia de la rapidez de los golpes (con un tempo lento-rápido)

Compás: unidad temporal que puede ser sintetizada por el primer tiempo. Los niños contarán sólo el primer tiempo cuando canten o caminen ( con los pasos).

Subdivisión de los tiempos: unidad más pequeña que la del Tempo, divide a éste en dos o tres pulsaciones.

            “La melodía y la armonía no podrían existir sin la presencia del ritmo, del tempo”

            LAS CANCIONES: SENSIBILIDAD, RITMO, ACORDE,...

            Las canciones se presentan en el método Willems como una herramienta de globalización, implicando en estas, la sensibilidad, el ritmo, sugiriendo el acorde y haciendo presentir las funciones tonales. Hay varios tipos de canciones que intervienen en la formación musical del niño:

Canciones populares tradicionales: Los niños aprenden estas canciones generalmente en su hogar. Aquí las palabras juegan un papel primordial, a veces  más que la correcta entonación y afinación. Estas canciones deberían ser y constituir una base auditiva, para propiciar luego el camino hacia la enseñanza de un instrumento, y nunca al revés.

Canciones sencillas para principiantes: A pesar de que las canciones populares no aportan material para un trabajo auditivo, a algunos principiantes les cuesta emitir hasta los sonidos más sencillos. Esta es la razón de ser de estas canciones sencillas. Estos temas están caracterizados por tener pocas notas y pequeños saltos. Cada profesor debería inventarse sus propias canciones sencillas según las necesidades que tenga sus alumnos.

Canciones que preparen para la práctica instrumental: Son canciones sencillas que tienen distintos intervalos: de la tónica a la dominante, servirán para  tocar en el piano con los cinco dedos. Ya de ámbito más extendido encontramos de la tónica a una octava.

Canciones de intervalo: Para estudiar los intervalos. Son aquellas canciones que comienzan por: La 2ª mayor, 3ª mayor menor, 5ª, 6ª,7ª menor y 8ª.

La evolución de estas canciones sigue este esquema:

                        Cantar con sus palabras

                        Cantar con “la, la, la....”

                        Cantar con el nombre de las notas

                        Con especto al ritmo encontraríamos:

                        Canciones mimadas: Son canciones cuyo objetivo es establecer un vínculo entre el sentido de las palabras y la mímica ( el rostro y el cuerpo ayudan a que la canción adquiera vida)

                        Canciones ritmadas: El objetivo de estas canciones sería desarrollar el instinto del ritmo musical basado en el movimiento natural (que parte del impulso físico). Esto se puede complementar con movimientos sencillos, movimientos de brazos, y parte superior del cuerpo, golpes de manos, pequeños saltos,...

LA VOZ

         Tendrá poca importancia con los más pequeños. Lo único que buscaremos será la correcta posición del niño al cantar. Que se mantenga derecho, que cante suavemente con una voz linda y no con esa fea que entona a veces. No hay que limitarse a la quinta, es un método más flexible.

EL OIDO

Para Willems la audición interior es la base de la inteligencia auditiva. Se trata de un acto sensorial y no tanto mental afectivo:

            Escuchar y reconocer.

            Reproducir los sonidos (onomatopeyas)

El sentido de la altura: El profesor debe establecer la diferencia entre timbre, altura e intensidad.

Quizás lo más difícil es adivinar de que canción es el ritmo que se golpea, éste debe ser un trabajo progresivo para poder afianzar y desarrollar la memoria auditiva.

Ejemplos:

-          El juego de Simón dice con choques

-          Alternar ritmos y pensamientos (silencios) del mismo.

DE LA INTENSIDAD Y EL TIMBRE

El niño se suele sorprender más por el timbre, que constituye, a menudo el primer punto de referencia para este.

El timbre y la intensidad no deben preocuparnos mucho de momento, pero si la altura.

INTERVALOS Y ACORDES

Al principio sólo consideramos los intervalos melódicos y los acordes quebrados ( tomados melódicamente), es decir, entonar cada nota del acorde espaciadamente y no de forma simultanea. A continuación se les presentará los intervalos armónicos y los acordes.

ASOCIACIONES

Las asociaciones consisten en relacionar las nociones abstractas con lo concreto. Evolución correcta:

         ESCRITURA                               SONIDO                                  INSTRUMENTO           

       (Vista concepto)                     (imaginación auditiva-                      (Vista y tacto)

                                                                audición)           

Errores de asociación:

                        1 = Do, 2 = Re... (Confusión tonalidades y funciones tonales)

                        Asociaciones de sonidos son colores: Do = colorado, Re = anaranjado...

            Utilización de la escala con escalones más próximos: inexactitudes psicológicas.

Fonomímia; asociar la altura de los sonidos con lugares determinados del cuerpo.

Etc...

DATOS TÉCNICOS Y PROPUESTAS

            Edad a la que se puede empezar el método: Tres años.

            Número ideal de alumnos: De 4 a 5 alumnos.

            Duración de las sesiones:  De 45 minutos a una hora, una vez a la semana.

           

         PREMISAS

           

            Seguir al niño, adaptarse a él

No forzar jamás al niño

No es más importante darles, sino permitirles tomar.

Ilustrar al niño con las palabras relacionadas con la música: Música, sonido, ruido, escala, acorde, ritmo, alto y bajo, fuerte y débil,...

El fin del método Willems, es conseguir en el alumno las siguientes capacidades:

Escuchar

Mirar fuentes sonoras

Retener sonidos

Sensibilizarse

Reproducir, comprender e inventar

Aprender a leer signos

Escribir dictados musicales

Inventar melodías (componer)

...